15 mest kjente malerier av Norske kunstnere

Maleri kan kalles en av de viktigste komponentene i Norsk kultur. Majestetiske landskap, historiske hendelser, portretter av kjente personligheter og vanlige mennesker , kunstneriske emner-alt dette gjenspeiles i verkene til fremragende kunstnere. Mange av dem, takket være deres fremragende talent og hardt arbeid, har blitt kjent ikke bare hjemme, men også i mange andre land i verden. I denne samlingen vil vi se på femten av de mest gjenkjennelige mesterverkene av Norske mestere av maleri.

Oversikt over de mest kjente maleriene av Norske kunstnere

Valgkomite	sted	Produkt	vurdering
Oversikt over de mest kjente maleriene av Norske kunstnere	1	«Ridder ved veikrysset», Viktor Vasnetsov	5.0
2	«Zaporozhets», Ilya Repin	4.9
3	«Horsewoman», Karl Bryullov	4.9
4	«Den Sittende Demonen», Mikhail VNorsk Krone	4.8
5	«Kristi Utseende til folket», Alexander Ivanov	4.8
6	«Ulikt ekteskap», Vasily Pukirev	4.7
7	«Rooks har kommet», Alexey Savrasov	4.7
8	«Jegere på stopp», Vasily Perov	4.7
9	«Helter», Viktor Vasnetsov	4.7
10	«Jente med fersken», Valentin Serov	4.7
11	«Den Siste Dagen I Pompeii» Karl Bryullov	4.6
12	«Båtfolk på Volga», Ilya Repin	4.5
13	«Boyar Morozova», Vasily Surikov	4.5
14	«Ukjent», Ivan Kramskoy	4.5
15	«Morgen i Furuskogen», Ivan Shishkin Og Konstantin Savitsky	4.5

«Ridderen ved Veikrysset», Victor Vasnetsov

Brukervurdering: 5.0

Maleriet «Knight at The Crossroads» ble et vendepunkt i kunstneren Vasnetsovs liv, og bestemte den videre retningen for utviklingen av hans arbeid. Før det var han allerede kjent som en omreisende kunstner, men suksessen med lerretet fikk ham til å vie mange videre arbeider til Norske episke temaer. Ideen til å skrive dette bildet dukket opp tidlig på 1870-tallet, Da Vasnetsov, etter å ha lest plottet «Ilya Muromets og røvere», skapte de første skissene. Men den endelige versjonen, som har nådd vår tid, ble fullført først i 1882. Ridderen avbildet i forgrunnen frøs i tankene foran en stein, hvor inskripsjonen lyder: «Når jeg går rett-jeg lever ikke — er det ingen vei for en forbipasserende, heller ikke en forbipasserende eller en flyby». Den videre delen av inskripsjonen, som sier at «jeg vil gå rett-jeg vil være gift; jeg vil gå rett — jeg vil være rik» har delvis slitt ut, delvis gjengrodd med mose. Så forfatteren av lerretet ønsket å figurativt vise håpløsheten til ridderens sti, fordi hans skjebne bare er i kamper på slagmarken. Komposisjonens generelle dramatiske karakter understrekes av de liggende restene av en annen rytter og hest, samt svarte kråker. En interessant detalj er at rytteren holder et infanterispyd i hendene, dette symboliserer heltenes beredskap til å kjempe til fots, selv etter å ha mistet krigshesten.

«Zaporozhtsy», Ilya Repin

Brukervurdering: 4.9

Siden Ilya Repin ble født og oppvokst I Chuguev, Kharkiv-provinsen, var han sterkt interessert i Ukrainas historie, dens skikker og Spesielt Kosakkene. Derfor, da han hørte på en sosial mottakelse fra historikeren Dmitry Yavornitsky om brevet Fra Zaporozhian-Kosakkene til den tyrkiske Sultanen, bestemte han seg umiddelbart for å fange denne hendelsen på lerret. Ifølge legenden, På slutten AV XVII-tallet, etter nederlaget Til Sich-hæren på 15 tusen Tyrker, sendte Sultan Mahmud IV en melding Til Zaporozhye-Kosakkene, der han kalte seg «guds vikar» og beordret å overgi seg frivillig. Som svar komponerte frihetselskende Kosakker under ledelse av ataman Ivan Sirko et ironisk brev, som skisserte i det hele deres lager av støtende metaforer og uanstendig språk. Hvorvidt den store tyrkiske «solens og månens bror» mottok dette unike verket av den epistolære sjangeren, er ukjent, men det har holdt seg for alltid i historien. Før Han startet arbeidet med maleriet, Dro Repin til Ukraina for å studere kulturen til Kosakkene I Zaporozhye Sich grundig. Takket være dette tilsvarer både den generelle atmosfæren og individuelle detaljer, som våpen og klær, realitetene i den beskrevne tiden. Kunstneren avsluttet sitt arbeid i 1891, 13 år etter å ha laget den første blyantskissen. Lerret ble kjøpt for en stor sum Av Keiser Alexander III, senere ble det tildelt gullpriser på utstillinger I Tyskland og Ungarn.

«Horsewoman», Karl Bryullov

Brukervurdering: 4.9

Karl Bryullov regnes som en av de beste representanter for Norsk Romantikk. Hans portrett «The Horsewoman» gleder seg over detaljene, perfekte proporsjoner, en kombinasjon av uttrykk og ro. Maleriet ble malt i 1832 For Grevinne Yulia Samoilova, Som Bryullov møtte I Roma. En jente på en hest og en jente i rosa som løper ut for å møte henne er Giovannina og Amacilia, Grevinnens elever. Kunstneren formidlet mesterlig dynamikken i handlingen, alle skuespillerkarakterene på lerretet er i bevegelse. I tillegg valgte han bevisst kontrasterende toner, som tillot ham å visuelt understreke bildet av rytteren. Etter at arbeidet med maleriet var fullført, ble det presentert på en utstilling på Brera Academy Of Fine Arts, som ligger I Milano. Italienerne var glade for etableringen av den Norske kunstneren, kunsthistorikere satte ham på nivå med van Dyck Og Rubens og sa at verden aldri hadde sett et så dyktig utført rytterportrett. I ytterligere år var maleriet i Den personlige samlingen Av Grevinne Samoilova, til 1893, da den ble kjøpt for Tretyakov Gallery.

«Demon Sitter», Mikhail VNorsk Krone

Brukervurdering: 4.8

Bildet av en sittende trist demon VNorsk Krone ble inspirert Av lermontovs dikt «The Demon», for jubileumsutgaven som kunstneren skapte tretti illustrasjoner av. Hovedpersonen i bildet kombinerer enorm kraft, understreket av en muskuløs anspent kropp, og mental lidelse, tydelig uttrykt i ansiktet hans. Sitter på toppen av et fjell, en ung gigant ser lengselsfullt solnedgangen blusse opp i en levende verden som han selv ikke er en del av. Demonen er omgitt av bisarre steiner og jordiske blomster som ser mer ut som krystaller. Dette døde landskapet utfyller den melankolske stemningen skapt av karakterens bilde og hans bakhistorie, kjent fra diktet. Det er underlig at demonen er kledd i blå klær, som tradisjonelt er assosiert med adel og guddommelighet, I blå klær blir Jesus Kristus ofte avbildet. Denne fargen ble ikke valgt ved en tilfeldighet, den snakker om den himmelske opprinnelsen til lerretets helt. I forfatterens forståelse er ikke demonen en negativ karakter, men snarere et symbol på en opprørsk sjel som ikke finner svar på tvilen. Å være ikke bare en talentfull maler, men også en skulptør, skapte VNorsk Krone et maleri i sin favorittfasetterte stil, slik at det ser litt ut som et glassmaleri. For å oppnå denne effekten påførte kunstneren flate store slag med en palettkniv.

«Kristi Utseende til folket», Alexander Ivanov

Brukervurdering: 4.8

Ivanovs fascinasjon for bibelske emner begynte i de tidlige stadiene av arbeidet hans og absorberte ham fullstendig etter ankomst Til Roma. Der studerte kunstneren hellige tekster, tegnet Michelangelos mesterverk og tenkte i økende grad på ideen om å lage sitt eget lerret, som skulle bli et middel til å overføre Kristne ideer gjennom kunst. Etter å ha startet arbeidet med maleriet i 1837, avsluttet han det 20 år senere. Ivanovs tilnærming var veldig nyskapende for sin tid, siden den innebar en avvik fra akademismens kanoner og fokuserte betrakterens oppmerksomhet på den emosjonelle komponenten. En av de viktigste bibelske hendelsene beskrevet i Det første kapittelet I Johannesevangeliet ble valgt for handlingen – Kristi første opptreden for troende. I ferd med å skrive sitt arbeid laget kunstneren rundt seks hundre skisser, de fleste av dem spredte seg deretter til museum og private samlinger. Hver karakter på lerretet ble nøye utarbeidet, noen hadde virkelige prototyper for bildets realisme. For eksempel ble en mann med et uttrykksfullt utseende, som sto en halv sving til Messias, kopiert fra Nikolai Gogol. Den reisende med en stab som sitter i Nærheten Av John Er Ivanov selv. Men grunnlaget For jesu utseende var tegningene Av Palermo-mosaikken, skulpturen Til Apollo Belvedere og… en kvinnes ansikt. Etter ferdigstillelsen av lerretet tok kunstneren ham til St. Petersburg med skip. Interessant nok, på grunn av sin store størrelse (750 x 540 centimeter), passet ikke maleriet inn i lasterommet og måtte plasseres direkte på dekk. Mye til Ivanovs skuffelse imponerte ikke hans livsverk hans samtidige, det var for dypt og nyskapende for den perioden. Etter malerens død ble maleriet imidlertid kjøpt av Keiser Alexander II selv, som senere presenterte Det For Rumyantsev-Museet.

«Ulikt Ekteskap», Vasily Pukirev

Brukervurdering: 4.7

Vasily Pukirev skapte mange malerier i forskjellige sjangre i løpet av livet: landskap, portretter, historiske emner, men bare ett av verkene ga ham universell berømmelse. Dette er selvfølgelig lerretet «Ulikt Ekteskap», skrevet i 1862. Det belyste levende det faktiske problemet med den fratredde stillingen til unge jenter på den tiden, som ble gift etter avtale med ikke elskede, men velstående og oftest gamle brudgom. Nesten hvert andre ekteskap ble inngått på grunn av økonomisk gevinst eller stilling i samfunnet. På bildet kontrasterer bildet av brudgommen skarpt med portrettet av bruden: han ser hovmodig og kaldblodig ut, mens hun knapt holder på for ikke å gråte eller besvime. I bakgrunnen ser eldre menn, åpenbart brudgommens venner, usikkert på bruden, og godkjenner klart det lønnsomme «oppkjøpet». En ung mann som står med armene krysset på høyre side, ekstremt lik Pukirev selv, fortjener spesiell oppmerksomhet. Ifølge samtidige hentet kunstneren inspirasjon fra sitt personlige drama, Og prototypen for den unge bruden var Praskovya Varentsova, jenta Pukirev var forelsket i, og som giftet seg med en rik eldre tjenestemann. Maleriet om aktuelle emner ble presentert på en utstilling I St. Petersburg, og vakte umiddelbart oppmerksomhet fra publikum. Snart, For dette arbeidet, Ble Vasily Pukirev tildelt tittelen professor i maleri.

«Rooks Har Kommet», Alexey Savrasov

Brukervurdering: 4.7

Som en av kunstnerne i peredvizhniki, Ga Savrasov mye oppmerksomhet til Norske landskap i sine arbeider. Han skrev sine berømte «Rooks» i 1871, etter en tur til landsbyen Molvitino (nå Susanino) Kostroma-provinsen. Det Var Molvitinskaya Oppstandelse gamle kirke (bygget i XVII århundre) som ble prototypen til templet i bildet. Hele tomten er ekstremt ukomplisert, men den formidler perfekt naturtilstanden før den forestående begynnelsen av våren i landsbyen. Det er ingen lyse farger på lerretet, tvert imot, grå og brune nyanser råder, ro og hverdag hersker. De sentrale tegnene er selvfølgelig rooks, noen av dem er fortsatt i bevegelse, men resten har allerede valgt sine steder i trærne. Rooks som vender tilbake til hjemlandet er forvarsler om varme. Vårstemningen antydes av tining med stående vann og den klare blå himmelen som bryter gjennom skyene. Savrasov skildret tårn og gjorde dem bevisst litt større og ofret realisme for symbolismens skyld. Fra de mørke silhuettene av fugler puster mystikken, deres bilde ber ufrivillig om sammenligning med oppstandelsen etter en «død» vintersøvn. Den religiøse betydningen kan spores i andre deler av lerretet: bak trærne er det en pil, hvis grener tradisjonelt tjente I Norge for feiringen Av Palmesøndag. I prosessen med opprettelsen brukte kunstneren en kompleks maleteknikk med en kombinasjon av forskjellige metoder for påføring av maling, brukt farget grunning, laminering og så videre. Det ferdige maleriet ble umiddelbart anskaffet av samler Og filantrop Pavel Tretyakov, som presenterte det for allmennheten på utstillingen I Oslo.

«Jegere på stopp», Vasily Perov

Brukervurdering: 4.7

Dette maleriet ble malt Av Perov på scenen av sin sene kreative aktivitet, i 1871. På dette tidspunktet beveget kunstneren seg gradvis bort fra å skildre det vanskelige bondelivet, og foretrakk mindre pessimistiske emner. Skuespillerne på lerretet er tre jegere som hviler midt på feltet. Den eldste av dem, dømme etter utseendet til en adelsmann, leder entusiastisk historien, aktivt gestikulerer for større overbevisning. Nybegynneren lytter til ham med ventet åndedrag, han er så imponert over jakthistoriene at han til og med glemte det ulmende lyset i hånden, som han skulle tenne en sigarett med. Den tredje karakteren, kledd i bondeklær, lytter med et ironisk glis og en tydelig skepsis i ansiktet. Slike historier er åpenbart ikke nye for ham på lenge. Bakgrunnen er et ubestemt høstlandskap, som tillot maleren å fokusere på hovedfigurene i arbeidet. Den åpenbare komiske situasjonen skjuler en dyp mening: jegere legemliggjør stadiene i en persons livssyklus som går gjennom entusiastisk ungdom, opplevd mistroisk modenhet og alderdom, og idealiserer minnene fra fortiden. Forfatteren av lerretet, selv en ivrig jeger, avbildet i detalj og nøyaktig spillet, våpen, samt inventar. Imidlertid er hornet beregnet på jakt med hunder, mens hundene i seg selv ikke er å se, og skogfuglen som ligger sammen med hareharen forårsaker forvirring. Det er enkelt-Slik gjør Perov narr av den kunnskapsrike betrakteren, og gjør det klart at han selv, som en eldre forteller, ikke er motvillig til å pynte på virkeligheten.

«Helter», Victor Vasnetsov

Brukervurdering: 4.7

Folklore temaer var svært populære blant Norske malere i andre halvdel av XIX århundre, men for de fleste ble det bare en egen milepæl i søket etter deres kunstretning, en kortvarig hobby. En annen ting Er Viktor Vasnetsov, som viet hele sitt liv til uttrykk For Slaviske epos og epos på lerret. Toppen av arbeidet hans anses å være maleriet «Heroes», som legemliggjorde hele det Norske folks ånd, slik kunstneren forestilte seg det. Etter å ha startet sitt arbeid med små skisser i 1881, han jobbet hardt, samle myter, legender og ekte historiske fakta, litt etter litt. Resultatet var en ekte mesterverk som herliggjort Vasnetsov for mange generasjoner framover. Lerretet skildrer tre ryttere-helter: Ilja Muromets i sentrum, Dobrynya Nikitich på sin høyre side, og Alyosha Popovich på venstre. Deres bilder alle sammen legemliggjøre den kreative kraften i Norge, og den positive kvaliteter av mennesker som lever på det. Muromets puster visdom og eldgamle tradisjoner, Dobrynya legemliggjør stoltheten til forsvareren av sine hjemland, og unge Alyosha Popovich med gusli er poetisk, følsom for alle manifestasjoner av skjønnhet. Riddernes mektige skikkelser står som tre fjell, selvsikkert og truende. De undersøker nøye «om fienden lurer snikende et sted, om de svake blir fornærmet et sted». Den overskyede himmelen over hodet og de grå steinblokkene på gravplassene som er synlige i det fjerne, skaper en følelse av å nærme seg fare. Selv om maleriet i seg selv er en kunstners fantasi, er det verdt å merke seg at alle elementene i klær, sele og våpen er avbildet veldig pålitelig og tilsvarer autentiske prototyper av sin tid. Etter endt arbeid på et stort lerret (som måler nesten fire og en halv til tre meter), Kjøpte Pavel Tretyakov det til galleriet sitt.

«Jenta med fersken», Valentin Serov

Brukervurdering: 4.7

Serov malte sitt mest berømte maleri i en alder av 22 år, og ideen til dette portrettet kom ganske tilfeldig da Han besøkte Abramtsevo, i eiendommen Til Mamontov. Kunstneren hadde kjent eierens datter Vera Mamontova i lang tid, men når han så denne 11 år gamle jenta sitte ved et bord med fersken i hånden, skjønte han plutselig hva slags portrett han ønsket å male og hvem som skulle bli modell. Det vanskeligste var å overtale det rastløse barnet til å posere daglig om sommeren, og ikke for en dag eller to, fordi det tok et par måneder å lage lerretet. Som et resultat viste det seg et livlig og levende bilde, som gir det villedende inntrykket av et tilfeldig valgt øyeblikk fra hverdagen, som om jenta satte seg ved bordet i bare et minutt. Den kjedelige bakgrunnen til omgivelsene står i kontrast til det mørke og røde ansiktet til jenta, hennes rosa klær, som en stor bue flaunts på. Arbeidet med portrettet brukte Serov teknikkene til impresjonisme, som tillot ham å fylle bildet med lys, gjøre det varmt og realistisk. Av gjenstandene i rommet tiltrekker en tallerken som henger på veggen spesiell oppmerksomhet – den ble tydeligvis laget av kunstneren selv, som var glad i keramikk. Etter å ha malt bildet presenterte Valentin Serov Det For Veras mor. Senere, for dette arbeidet, mottok han en pris fra Moscow Society Of Art Lovers.

«Den Siste Dagen I Pompeii» Karl Bryullov

Brukervurdering: 4.6

Etter å ha fullført studiene ved kunstakademiet, bestemmer den unge Bryullov seg for å bosette seg I Italia for å studere den klassiske kunsten i det gamle Roma. På dette tidspunktet må han ofte møte forsømmelse fra den italienske kreative eliten og aristokratiet. Og da kunstneren så de arkeologiske utgravningene av Den gamle byen Pompeii ødelagt av utbruddet Av Vesuv, innså han at dette var hans sjanse til å skape sitt eget store verk. Bryullov begynte sitt arbeid med å samle inn materialer og tegne et stort antall skisser: han gikk mye langs gamle gater, undersøkte vraket av hus, forseglet i de avkjølte lavarester av mennesker. I følge omtrentlige estimater døde rundt to tusen mennesker på Gatene I Pompeii. Fem år senere ble lerretet på seks til tre meter fullført. Scenen som er avbildet på den, er laget i romantisk stil, til tross for situasjonenes horror er det ingen kaos og folkemengder. Mennesker kan deles inn i grupper, som hver opplever sin egen tragedie på bakgrunn av en global katastrofe. Den sentrale figuren i komposisjonen er en kvinne og et barn som ligger på fortauet ved siden av henne, de representerer den antikke verdens fall og fødselen av en ny kultur. Maleriet brakte Bryullov bred berømmelse I Europa, og hjemme fikk han kallenavnet «the great». Hans skapelse ble anerkjent som et mesterverk Av Pushkin, Gogol, Lermontov og Keiser Nicholas I, som plasserte lerretet I Hermitage.

«Båtfolk på Volga», Ilya Repin

Brukervurdering: 4.5

Ilya Repin så først båtfolk på jobb i 1869 på Neva-Elven, da han fortsatt studerte ved Kunstakademiet. Å være imponert, tenkte kunstneren for en stund om ideen om å skrive et lerret om dette emnet. Som et resultat dro han til Volga, hvor han begynte sitt maleri med skisser som skildret kontrasten mellom innleide arbeidere som trakk en lekter og smartkledde mennesker som ruslet langs Volga-kysten. Repin ble også kjent med båtmennene, så på dem, kommuniserte med noen i løpet av resten. Han kom gradvis til å revurdere sin opprinnelige ide, og bestemte seg i stedet for sosial urettferdighet for å fokusere på bestemte mennesker og mangfoldet av deres karakterer. Hver av de elleve menneskene som trekker en uoverkommelig lastelekter uttrykker en reaksjon på denne vanskelige og åpenbart lavtlønte okkupasjonen på sin egen måte. Noen ser under brynene, med sinne over en urettferdig skjebne, noen er filosofisk rolige, man klarer til og med å tenne et rør i prosessen. I spissen for båtmennene står en eldre erfaren arbeider, prototypen som var den strippede presten Kanin, En ny bekjent Av Repin. Det helt motsatte av en hardfør og dessverre hard uformell leder kan kalles en ung blond mann. Han er utålmodig og vet ennå ikke hvordan han skal håndtere stroppene. En slepebåt er synlig i det fjerne, som et symbol på teknologisk fremgang, den skal frigjøre folk fra hardt arbeid, men av en eller annen grunn blir den ikke brukt, kanskje tjenestene til båtfolk er mye billigere. Maleriet etter st. Petersburg-utstillingen i 1873 møtte mange både entusiastiske og negative anmeldelser. I det kreative miljøet tjente hun som en betydelig drivkraft til begynnelsen av realismens epoke.

«Boyar Morozova», Vasily Surikov

Brukervurdering: 4.5

Å være opprinnelig fra Sibir, Hadde Surkov lenge vært kjent med både De Gamle Troende generelt og «Tale Of The Boyar Morozova». En representant for det høyeste Norske aristokratiet og eieren av en stor formue, hjalp gutten aktivt bærerne Av Den Gamle Troende troen, og gikk dermed mot tsaren og Patriarken Nikon. Som et resultat ble kvinnen arrestert og fengslet i et kloster, hvor hun døde av sult. For maleriet valgte kunstneren øyeblikket Da Morozov ble tatt for avhør. Etter å ha fanget Opp Chudov-Klosteret, viser hun trassig De Gamle Troendes tofingerhet med sin sjaklede hånd, og gjør det klart for de samlet menneskene at hun ikke vil gi avkall på sin tro for noe. I følge Surkov kom forståelsen av hvordan man best kunne lage en komposisjon til ham da han så en kråke spre vingene på hvit snø. I tillegg kunne maleren ikke finne et passende bilde for hovedpersonen på lenge, før han ved et uhell så en eldre Gammel Troende med et veldig blekt ansikt på kirkegården. Bildet har en symbolsk betydning – det skildrer massakren av staten over den hedenske troen som helhet, så vel som holdningen til mennesker til dette. Ansiktene til folket overfylt langs veien uttrykker det bredeste spekteret av følelser: fra skrekk til hånlig forakt. Lerretet debuterte på en vandreutstilling og ble snart kjøpt til Tretyakov Gallery.

«Ukjent», Ivan Kramskoy

Brukervurdering: 4.5

Dette unike maleriet er kjent overalt, og samtidig kan det kalles en av de mest mystiske blant kreasjonene til Norske kunstnere. På lerretet, laget i stil med realisme, er det en ung urban fashionista som kjører i rullestol langs Nevsky Prospekt I St. Petersburg. Antrekket hennes er en kombinasjon av alt som var på høyden av moten på slutten AV XIX århundre: en frakk laget av dyrt tøy trimmet med sabelpels og silkebånd, en muff laget av de samme materialene, en fløyelsbøtte dekorert med perler og en strutsefjær, samt et massivt gullarmbånd på armen. Alle detaljer om klærne er avbildet av forfatteren med stor dyktighet og omsorg. De snødekte gatene i byen fungerer som bakgrunn for portrettet, men de er gjort litt uskarpe for ikke å distrahere betrakteren fra modellen. Bedømt av det provoserende rike antrekket, tilhørte ikke damen de øvre kretsene i samfunnet, som fulgte visse stilregler. Hemmeligheten bak identiteten hennes ble aldri avslørt av kunstneren, selv om hun ifølge den vanligste teorien er en tidligere bondekvinne som ble kona til en rik petersburg-adelsmann Bestuzhev. Maleriet har vært i mange private samlinger, men gjennom årene ble det tilgjengelig for et bredt spekter av seere og solgt over hele landet i form av reproduksjoner.

«Morgen i Furuskogen», Ivan Shishkin Og Konstantin Savitsky

Brukervurdering: 4.5

Det er vanskelig å forestille seg et bilde som er mer kjent I Norge enn bildet av en furuskog, hvis panorama er dekorert med tre boltrende unger akkompagnert av en morbjørn. Shishkin var en kunstner som sterkt følte skjønnheten i dyrelivet, ingen andre kunne så harmonisk og samtidig nøyaktig skildre den urbane villmarken i en tett skog. Kunstneren hadde bred kunnskap om geologi og botanikk, som tillot ham å skape et mesterverk som syntes å leve sitt eget liv. Avlastningen av barken til et falt tre, en busk som vokser i nærheten av den og bøyde furuer er tegnet med utrolige detaljer. En dyp kløft synlig i det fjerne er innhyllet i en tykk tåkete dis, noe som gir en følelse av mystikk som ligger i steder der det praktisk talt ikke er menneskelige bosetninger. Skogen som kunstneren malte landskapet fra ligger På øya Gorodomlya, I Tver-regionen. Interessant nok var Det Ikke Shishkin som tegnet de klønete og morsomme bjørnene. Savitsky, en fremragende dyremaler, jobbet med dem. Lerretet ble først presentert i 1889 på en vandreutstilling, deretter ble Det kjøpt Av Tretyakov. Samleren slettet Savitskys signatur, for ifølge ham tilhører hele ideen Shishkin. Maleriet har vært allment kjent siden XIX århundre, og i Sovjetperioden ble det replikert så vidt at det ble en integrert del av populærkulturen.