12 beste malerier Av Claude Monet

En kjenner av dyrelivet, den berømte skaperen av en ny, utrolig populær trend innen maleri-impresjonisme-Claude Monet anses nå av kritikere for å være et symbol på hans tid. Hvem hadde trodd at den lille tegneserieskaperen ville ha en sterk innflytelse på kunstnere over hele verden i fremtiden, og skape en hel galakse med utmerkede lerreter med et unikt, utrolig lyst fargevalg, på grunn av hvilket det på tidspunktet for forfatterens uklarhet var rykter om galskapen hans. Din oppmerksomhet er trukket på noen av de beste maleriene til den store mesteren – de mest berømte kreasjonene av penselen til den franske Impressionisten.

Spor etter den store Impresjonisten: topp 12 mesterverk av det franske geniet Claude Monet

Valgkomite	sted	Sammensetning
Gjennomgang Av De beste bildene Av Monet	1	«San Giorgio Maggiore i skumringen», 1908-1912	5.0
2	«Damen i den grønne kjolen» (Camilla), 1866	4.9
3	«Spasertur. Dame med paraply», 1875	4.9
4	Haystacks-serien, 1890-1891	4.8
5	Rouen Katedral serie, 1892-1893	4.7
6	Serien «Vannliljer», 1896-1926 år	4.7
7	Serien «Gare Saint-Lazare», 1872-1877	4.6
8	«Damer i hagen», 1866	4.5
9	«Inntrykk. Den Stigende solen», 1872	4.5
10	«Frokost på gresset», 1866	4.5
11	«Parlamentsbygningen ved solnedgang», 1900-1901	4.5
12	«Waterloo Bridge i overskyet vær», 1904	4.4

«San Giorgio Maggiore i skumringen», 1908-1912

Brukervurdering: 5.0

Et av de mest kjente og betydningsfulle maleriene i arbeidet til den store Impresjonisten. De rådende tonene i handlingen er oransje – det var med slike nyanser kunstneren assosierte nedgangen i den italienske byen. Den Venetianske Katedralen og vann, selvfølgelig, vann skiller seg levende ut mot en fargerik bakgrunn.

Mesteren selv bemerket at bildet av twilight city ble laget på en ikke-standard måte for ham: ideen om lerretet var så imponerende vakkert og fascinerende at kunstneren jobbet febrilsk, bokstavelig talt tråkket på solens hæler som beveget seg mot solnedgang og dens vannblending. I sitt arbeid brukte Monet dramatiske fargekontraster, noe som ga maleriet større dybde og lysstyrke.

Siden ideen ble inspirert nesten umiddelbart, brukte Monet teknikken med korte slag og fylte lerretet raskt med pasta. Så han klarte å øyeblikkelig fange fargemomentet og formidle lysspillet nøyaktig. Hovedoppgaven til hans verk, forfatteren så ikke overføringen av en moralsk melding eller en dyp semantisk belastning til betrakteren, men skapelsen av et sensuelt inntrykk, oppvåkning av hyggelige opplevelser, inntrykk, Det Er ikke for ingenting At Monet er En av de lyseste representanter for impressionisme.

«Damen i den grønne kjolen» (Camilla), 1866

Brukervurdering: 4.9

Portrettet skildrer kona til den store Impresjonisten-Camille Doncier i en tid da hun ennå ikke var ektefelle, eller til og med en brud. Claude og Camille hadde nettopp møttes, Og Etter et av disse møtene bestemte Monet seg for å formidle på lerret den livlige følelsen som hadde oppstått mellom ungdommene. I maleriet» The Lady in the green dress » klarte kunstneren å fange det skjelvende øyeblikket da jenta som sto nesten ved utgangen snudde seg.

Monet kastet ikke bort energien sin på å tegne bakgrunnen: han konsentrerte alle ferdighetene sine på Camille selv – han detaljerte ansiktet hennes nøye, kurven på nakken, ansiktsuttrykket, til og med en liten bevegelse av hånden hennes, tegnet kjærlig kjolen og saueskinnfrakken. Det er umulig å legge merke til luftighet eller noe jordisk på bildet: kunstneren prøvde å vise jenta ekte, levende. Mona trengte ikke et referanseideal: kjolen ser tung ut, det ser ut til at den knapt drar på gulvet – dette indikerer at den er laget av tungt stoff.

Monet malte det han så og elsket av hele sitt hjerte (til tross for en kort bekjentskap, klarte kunstneren lidenskapelig og inderlig å bli forelsket i jenta), uten pynt og vanskeligheter som bare ville fornærme Camille. Bildet viste seg å være utrolig livlig og dypt: glød og ærefrykt for en ung elsker kjennes i det.

«Spasertur. Dame med paraply», 1875

Brukervurdering: 4.9

Maleriet anses å være begynnelsen på en syklus av malerier, hvorav den første og viktigste ble malt i 1875. Modellen for portrettet var kunstnerens første kone, Camilla. Verket regnes som det største i den kreative perioden på 1870-tallet. Lerretet skildrer Camilla med sønnen i villmarkene nær Colombe og Zhenivier.

Madame Monet står halvt sidelengs, som om hun plutselig oppdaget betrakteren. , Kjolen hennes flagrer i vinden. Figuren er litt forskjøvet til høyre, som kompenseres av en skrå parasoll, i kuppelen som det lyse enggrøntområdet reflekteres av. Litt lenger unna, bare synlig for livet, står Monets sønn, som om han ser oppmerksomt på betrakteren.

Maleriet ble malt fra life en plein air, mest sannsynlig i en økt. Under opprettelsen av lerretet begynner den nøye studien av karakterer gradvis å seire i kunstnerens verk, og fortrenger landskap. Likevel glemmer den store impressionisten ikke å overføre det unnvikende sollyset til betrakteren, noe som gjør at bildet ser ut som det er i live.

Et spesielt høydepunkt på lerretet kan betraktes som plasseringen av den kvinnelige karakteren på lerretet og den lave horisontlinjen, som gir maleriet som helhet et monumentalt utseende – dette er en ganske uvanlig presentasjon for en fransk Impresjonist.

Haystacks-serien, 1890-1891

Brukervurdering: 4.8

Monet mente at landskapet skulle males, fullstendig bevare fargen, formen og stemningen i miljøet og «dette vil føre til utseendet til en personlig, naiv visjon av situasjonen du ser på». Monet var ikke den første blant malerne som bestemte seg for å overføre et landlig landskap til lerretet, hvis hovedobjekt ville være en høystakk. Van Gogh, Pizarro, Gauguin og andre store artister har allerede skrevet om dette emnet.

Men Monet klarte å skille seg ut ved å bruke to innovative elementer i sitt arbeid: en måte å se lys på og lage en hel serie malerier. Takket være kunstnerens utrolige arbeid og talent, kan vi i dag tenke på mangfoldet av det samme motivet, avhengig av tidspunktet på dagen og skiftende belysning.

Ved å lage en hel serie lerreter som skildrer en høystakk, prøvde Monet med sine egne ord å vise tidens gang. Han klaget over at om sommeren, da han malte, gikk solen ned så raskt at kunstneren ikke kunne følge med ham, og hver gang han lette etter en flyktig variasjon av lys.

I 1888 laget Monet flere skisser av stabler i nærheten Av Giverny. Han kommer tilbake til det samme emnet et år senere, da strada (sommerhøst og høsting av brød). begynner, han har jobbet hardt i flere måneder, malt felt dekket med gjenskinn av sommersollys, lys rødrød om høsten og tett innpakket i snø om vinteren.

Sommeren 1890, da mesteren var nedsenket I Olympia-virksomheten, ivrig etter å kjøpe maleriet fra enken Manet og overføre det til Louvre, viste seg å være overskyet, med hyppige regnvær. Derfor måtte kunstneren fullføre lerretene han startet allerede på verkstedet, og fantasere om hvor fargerik og uvanlig himmelen kan være. Femten malerier av serien, først utstilt På Durand-Rouel, var en fantastisk suksess og ble utsolgt, til tross for den høye prisen.

Rouen Katedralserie, 1892-1893

Brukervurdering: 4.7

En annen serie malerier av den strålende Impresjonisten, bare denne gangen i sentrum av tomten er den majestetiske Rouen Gotiske Katedralen. For å lage en hel syklus med malerier bosatte Monet seg nær katedralen og malte fra tidlig morgen til sen kveld. Kunstneren var utrolig lidenskapelig opptatt av lysspillet på den kalde steinen og prøvde å formidle denne fantastiske kontrasten på lerret.

All Monets oppmerksomhet var ikke fokusert på hele bygningen, men bare på en egen del av den – 2 tårn: Martin og Alban. I Impresjonistens forståelse så elementene i katedralen ut som en portal, og hvert maleri avbildet nøyaktig denne siden av bygningen. Fremover i arbeidet begynte kunstneren gradvis å påføre et større lag maling på lerretet, og prøvde å understreke visse detaljer og gi bildet sitt eget lys.

Ofte gikk arbeidet raskt, Men Monet selv klaget over dette faktum og sa at dette kompliserer oppgaven, og det er ikke lett for ham å overføre sin visjon til lerretet. Noen ganger ble maleren plaget av mareritt der katedralen falt på ham eller forræderisk endret farge.

Publikum var i stand til å se mesterverkene til den franske Impresjonisten for første gang først i 1895, og selv om kritikernes meninger var delte, endret mange kunstnere (inkludert utenlandske) sin oppfatning av verden. Nesten umiddelbart ble 8 malerier fra serien solgt til forskjellige samlere. De resterende, til tross for den ganske høye prisen (ca 15.000 franc), ble kjøpt av flere kjennere av impressionisme.

Vannliljer-serien, 1896-1926

Brukervurdering: 4.7

En stor syklus inneholder nesten 250 canvases, som hver ble laget i teknikken for oljemaleri. Noen malerier kan trygt kalles monumentale, og ikke bare på grunn av deres imponerende størrelse, men også briljant formidlet fargeoppfatning. For enkelhets skyld bygde kunstneren et nytt verksted med spesiell belysning.

Det er bemerkelsesverdig At Monet i løpet Av arbeidet ble så ført bort og imponert over resultatet at han ikke ønsket å skille seg ut med noen av maleriene i» Water Lilies » – serien, skapt for nesten 30 års hardt arbeid. I museer og private samlinger begynte disse lerretene å vises først etter Impresjonistens død.

Monet var veldig stolt av det faktum at han var i stand til å kjøpe sin egen eiendom (den lå I Giverny), hvor han la ut en luksuriøs blomsterhage. Maleriene i serien skildrer vannliljer som vokser i hagen til kunstneren selv. Forresten ble det laget mange lerreter allerede på den tiden da maleren led av grå stær. Men kanskje det hjalp ham til å bevege seg bort fra den tradisjonelle fargeoppfattelsen og skape et utrolig spill av farger og chiaroscuro.

Lerreter fra» Water Lilies » – serien oppbevares i mange museer rundt om i verden: I Paris, New York, Wales, Oregon, etc. Representanter For Auksjonshuset Christie kaller Monets «Vannliljer» et av de mest anerkjente og betydningsfulle verkene i det 20. århundre, som hadde en enorm innvirkning på Impresjonistiske og modernistiske kunstnere over hele verden.

Saint-Lazare Jernbanestasjon-serien, 1872-1877

Brukervurdering: 4.6

I 1872 dukket Claude Monet opp i direktoratet For Saint-Lazare og sa at han skulle male en hel serie malerier, og deres hovedobjekt ville være stasjonen. Kunstneren betraktet stasjonsbygningen som en av de mest imponerende på den tiden og ønsket å formidle sine følelser fra tiden med teknologisk fremgang, og bevege seg bort fra landskapstemaer.

Siden Monet malte fra naturen, kastet stasjonsarbeiderne all sin innsats for Å Sikre At Saint-Lazare dukket opp før Impressionisten i all sin herlighet: stasjonens territorium ble stadig rengjort, til og med malt lokomotiver, og maskinistene prøvde å la så mye damp som mulig. Det praktfulle panoramaet fanget bokstavelig talt det franske geniet, og som et resultat ble så mange som 12 malerier malt, der stasjonen ble avbildet ikke bare fra forskjellige vinkler, men også i forskjellig vær, til forskjellige tider av døgnet. Denne serien var den første i malerens arbeid: snart vil «Haystacks» og «Water Lilies» vises.

Først presentert for verden i 1877 på en utstilling, var serien av malerier «Gare Saint-Lazare» en fantastisk suksess. Den berømte franske forfatteren Emile Zola ville senere si at det var atmosfæren som ble formidlet på monets lerreter som inspirerte ham til å skrive romanen «The Man-Beast», dedikert til den franske jernbanen.

«Damer I Hagen», 1866

Brukervurdering: 4.5

Maleriet ble ansett som svært uvanlig for en moderne seer. Monet ønsket å gjøre det klart at han bare ville skrive slik hans inspirasjon og intuisjon fikk ham, uten hensyn til akademiske tradisjoner. Den franske landskapsmaleren Gustave Courbet, som ofte besøkte Monet på Den tiden, ble overrasket ikke bare av forfatterens ide, men også av lerretets omfang. På grunn av den enorme størrelsen (255×205 cm) var det utrolig tungvint: kunstneren måtte senke lerretet ned i en spesiell grop med en vinsj, da han begynte å male den øvre delen av bildet.

Impresjonisten ønsket å formidle skygge-og lysspillet så nøyaktig som mulig, og utarbeide de minste detaljene i handlingen for dette. Samtidig ble hans tegn tildelt en sekundær rolle. For eksempel ser kvinnene som er avbildet på lerretet stiliserte ut, ansiktene deres er nesten usynlige: den ene damen står halvt snudd, den andre med ryggen, den tredje gjemmer seg bak en blomsterbukett. Dermed gjør kunstneren det klart at det ikke er et individ som er viktigere for ham, men samspillet mellom en person og omverdenen.

Til tross for den tilsynelatende tradisjonen var maleriet virkelig nyskapende: mange halvvendinger, beskårne kanter på kjoler – alt dette ville vært umulig for en akademisk maler. Maleriet «Ladies In The Garden» ble malt i En vanskelig økonomisk periode For Monet, så arbeidet var intenst. Det var dette maleriet han planla å stille ut på Paris Salon – en av de mest prestisjefylte franske kunstutstillingene, men juryen savnet ikke verket. Men da Monet ble kjent, ble lerretet «Ladies In The Garden» kjøpt av den franske regjeringen for mye penger-200.000 franc.

«Inntrykk. Den Stigende Solen», 1872

Brukervurdering: 4.5

Da grunnleggeren Av Impressionismen malte et bilde, trodde han at dette var et annet av hans verk som ikke kunne selges. Men det var faktisk med henne at fødselen av en ny retning i maleriet begynte. I 1874 ble skapelsen, sammen med kollegaene, «brothers in spirit» i kreativitet presentert på en uavhengig utstilling. Imidlertid satte ikke alle pris på innsatsen til unge talenter.

Så, etter å ha besøkt utstillingen, skrev journalisten Louis Leroy en kritisk artikkel «The Impressionist Exhibition», der han utsatte kunstnere for latterliggjøring, og sa faktisk at slike «kreasjoner» driver akademiske malere til vanvidd, og ga de da ukjente ungdommene det støtende kallenavnet «impresjonister». På den tiden kunne han selvfølgelig ikke ha forestilt seg at kunstnere i protest til slutt ville adoptere dette kallenavnet, som ville bli et kjent navn og bli en av de mest berømte kunstneriske bevegelsene i verden.

På bildet » Inntrykk. The Rising Sun » Monet ga spesiell oppmerksomhet (men som alltid) til fargegjengivelse, ved å bruke et minimum av nyanser for dette, men skape et utrolig livlig, realistisk landskap. Hovedtonene er blålige: hele lerretet ser ut til å være gjennomsyret av følelsen av en kald, klam morgen.

Kunstneren klarte å formidle stemningen i havnen veldig nøyaktig: slik så lokalbefolkningen den-dyster, med solskinn på vannet, med himmelen som renner ut i havet, der silhuettene av skip er svakt synlige.

«Frokost på gresset», 1866

Brukervurdering: 4.5

Et undervurdert bilde med en tragisk skjebne på den tiden, som virkelig har blitt et symbol på sin tid. Arbeidet med lerretet begynte i 1865 under inntrykk Av Det beryktede maleriet Med samme navn Av Eduard Manet, som hadde et noe useriøst innhold. Men bortsett fra det samme navnet og kanskje skoglandskapet, har maleriene absolutt ingenting til felles.

Bak skapelsen av lerretet ligger et virkelig titanisk verk, fordi maleriet hadde enorme dimensjoner-400×600 cm. Og å jobbe med et så stort fundament krever betydelig dyktighet, evnen til å føle og korrekt danne komposisjon, farger, distribuere karakterer, etc.

Kunstneren begynte sitt arbeid på et forhåndsvalgt sted i fontainebleau-skogen. Som modeller brukte han sin kone Camille og en venn, en stipendiat» verkstedarbeider » Frederick Basil. Først av Alt malte Monet skogen en plein air, tegnet deretter karakterene i verkstedet, hvoretter han igjen gikk ut med modeller for å skrive skisser fra naturen. Etter det, i studio, satte kunstneren alle elementene sammen.

Lerretet skildrer en kjølig sommer-eller vårdag. Den knallblå himmelen blinker blant det tette, saftige bladverket av trær. Her og der bryter tynne solstråler gjennom. På bakgrunn av landskapet hviler en gruppe menn og kvinner: noen chatter, noen setter seg ned for å spise, andre er strukket ut på gresset. Det er en følelse av moro, friskhet i skogen, letthet.

I Utgangspunktet skapte Monet lerretet «Frokost på gresset» for å presentere det på Paris-Salongen, men han hadde ikke tid katastrofalt, så han skrev» The Lady in the green dress » nesten i en hast, som ble positivt mottatt av kritikere. Å være i en vanskelig økonomisk situasjon, forlot maleren det uferdige lerretet som et løfte til utleier og bestemte seg for ikke å ta på seg store ting som spiste opp alle pengene sine og skapte vanskeligheter for ham.

Men utleier holdt mesterverket uforsiktig, og en del av lerretet råtnet rett og slett fra et langt opphold i en fuktig kjeller. Etter 7 år kjøpte Monet lerretet og kuttet det i 3 deler, og etterlot bare 2 (en var helt ubrukelig). I dag anser kritikere maleriet for å være kunstnerens debut i en ny stil, et ekte flaggskip av den forestående revolusjonen i kunsten.

«Parlamentsbygningen ved solnedgang», 1900-1901

Brukervurdering: 4.5

I 1900 gledet Paul Durand-Rouel, Impresjonismens konstante beskytter, Seg til claude Monets retur fra Den Britiske hovedstaden. Han skulle bringe utsikten over broene Over Themsen og Parlamentet som ble opprettet under oppholdet I London. , kunstneren brakte arbeidet, men var misfornøyd med skissene, så han kom tilbake et år senere for å fullføre lerretene, og et år senere.

Durand-Rouel mottok ferdige london-sykluser først i 1904, men ventetiden var verdt det: en uke senere ble lerretet» The Parliament Building at Sunset » solgt for gode penger. Siden den gang har maleriet vært i mange private samlinger I Le Havre, Paris, New York og Til Og Med Japan. I 2015 ble lerretet solgt for. $ 40 millioner.

I ferd med å skrive en malerisyklus klaget Monet over uoverensstemmelsen I London-været: «været endrer seg stadig på grunn av skyer og sterk vind … det gjør meg gal.». Naturtilstander og unike solfylte øyeblikk erstatter hverandre med enorm fart, men Det faktum At Monet var i stand til å formidle dem på lerreter er uvurderlig. En spesiell sjarm er gitt til dette bildet av en uvanlig, jevn dristig effekt – en lys rød glød som bryter gjennom tykke skyer.

«Waterloo Bridge i overskyet vær», 1904

Brukervurdering: 4.4

Et annet mesterverk fra Monets london-syklus dvelte heller ikke lenge på utstillinger. For eksempel ble denne utrolige utsikten over Waterloo Bridge anskaffet av en lidenskapelig elsker av maleri, den Norske samleren Mikhail Ryabushinsky. Han var 37 da revolusjonen fant sted i det Norske Imperiet. Han gjemte en del av samlingen, ga en del Til Tretyakov Gallery for lagring, og emigrerte deretter til Storbritannia. Maleriet kom også inn i galleriet til de virkelige bigwigs i den antikke verdenen-Wildensteins. Deretter ble lerretet erstattet av mange eiere – helt eksepsjonelle personligheter.

Claude Monet kom først til Den Britiske hovedstaden med sin kone for å besøke sin sønn og innså straks at han ville komme tilbake hit igjen. Den store Impresjonisten var imponert over fargen på byen og tok selvsikkert opp skapelsen av lerreter med lokale landskap. Han beundret poesien til noen Steder I London, men været gjorde ham gal, kompliserte arbeidsflyten gjentatte ganger og gjorde den samtidig utrolig spennende.

Da Han kom tilbake fra London, hadde Monet med seg så mange som 8 esker med lerreter (!) og ingen ble ferdig. Kunstneren jobbet med maleriene i flere år til, og lot ikke noen selges. Først da alle lerretene var ferdige, kunne de vises for øynene til en forbauset seer, kjennere av impresjonisme og kritikk.